MONSTRUOS UNIVERSITY de Dan Scanlon - 2013 - ("Monsters University")

Mike Wazowki ha logrado su sueño: entrar como estudiante en la Monsters University, en donde lo prepararán para ser un Asustador profesional. Sin embargo, Mike, a pesar de su entusiarmo por aprender, acaba metiéndose en líos... Y acaba en un embrollo delirante junto a James P. Sullivan, un monstruo algo arrogante con el que no coincide ni se lleva nada bien. Juntos, van a tener que colaborar... Para salvar sus puestos en la universidad.

La primera película larga de Dan Scanlon para Pixar, empresa para la que realizado numerosas colaboraciones y cortometrajes, es "Monstruos University", la tardía precuela de "Monstruos S.A.". Aunque no tiene el poder de sorpresa que tenía su antecesora, esta historia que cuenta cómo se forjó la amistad de Sully y Mike en sus tiempos universitarios es una película divertidísima y como siempre portadora de un humor tanto para los más pequeños como para los adultos. Usando el estilo de esos nostálgicos años ochenta que tanto está de moda desde hace algún tiempo, "Monstruos Universitry" narra cómo los dos protagonistas principales de la primera entrega se conocieron cuando eran estudiantes de "asustadores de niños humanos" y también cómo algunos de los principales secundarios de aquella llegaron a ser lo que en aquella eran. Se echa en falta ciertamente el tono de parábola social simple pero efectiva que tenía "Monstruos S.A." sobre el "Mercado del Miedo", pero, y a pesar de ser menos redonda, esta película cumple como otro de los títulos indiscutiblemente divertidos de Pixar.

Los nuevos personajes tienen muchísimo carisma, tanto los principales como los secundarios (y la galería de monstruos vuelve a ser una delicia de la imaginación), mientras que la animación ha mejorado hasta llegar a ser fabulosa y el nivel de detalle de los escenarios y de los referidos personajes es precioso. Las escenas de acción son fantásticas (todas las de las pruebas especialmente) y los golpes de humor vuelven, como he mencionado, a ser por suerte para todos los públicos en el mejor de los sentidos. La parodia de la clásica "película juvenil de iniciación" cumple, y todos los tópicos y clichés del "género" son homenajeados con gracia y cariño. El mensaje vuelve a resaltar los valores humanos de la amistad y la fidelidad a las ideas propias sin caer en la moralina. "Monstruos University" es una más que digna secuela. No es de las mejores obras de Pixar, pero cumple de sobra en líneas generales.

MONSTRUOS S.A. de Pete Docter, Lee Unkrich y David Silverman - 2001 - ("Monsters, Inc.")

Sulley y Mike son, además de amigos inseparables, dos de los monstruos más exitosos de Monsters Inc., empresa que se dedica a asustar a los niños del mundo humano por las noches para extraer de sus gritos la energía que la sociedad de los monstruos necesita para funcionar. Es un trabajo duro: los niños son seres aterradores y extremadamente peligrosos para un monstruo. Un día, un "error humano" se va a producir en la empresa... Y el caos y el terror va a llegar a las vidas de Sulley y Mike.

Pete Docter ha dirigido para los estudios de Pixar "Monstruos S.A." y "Up" y ha colaborado en numerosos cortometrajes de la compañía, así como en otros de sus filmes. De Lee Unkrich y David Silverman ya hablé en otras ocasiones.

Junto al de los juguetes con vida de la saga de "Toy Story", el de "Monstruos S.A." es uno de los mejores mundos que la compañía de Pixar ha creado nunca. Este inolvidable filme propone una reinvención total en clave de comedia seria del "trabajo" de esos famosos y temidos monstruos que a todos nos asustaron cuando éramos pequeños y que temíamos que se escondiesen en el armario o debajo de la cama: estos monstruos en realidad tienen miedo a los niños y se ganan el pan "jugándose" sus vidas para traer a su mundo la energía que necesita para funcionar, que proviene precisamente de los gritos de estos niños. "Monstruos S.A." es una clásica historia de valores humanos como la amistad y la confianza (motores de la trama) o la integridad pero que también propone una crítica a un mundo que se sustenta en la mentira y en la corrupción y que vive del miedo ajeno para poder obtener ganancias. Demuestra esto una vez más que, aunque no en todas sus películas, en muchas de ellas Pixar ofrece mensajes tanto para los niños como para los adultos (en "Monstruos S.A." creo que queda clarísima la "suavizada" -evidentemente- pero seria visión de un mercado que se nutre del sufrimiento -¿El de las armas? ¿El de la droga? ¿El de la prostitución forzada? Ahí queda la metáfora...-).

Por supuesto, la animación es fantástica y tanto los personajes como los escenarios están cargados de buen hacer y de inventiva: es una delicia observar la gran cantidad de imaginativos monstruos que pasean por el filme. La pareja protagonista, la niña Boo o los villanos de la función quedan para la historia de Pixar como algunos de sus personajes más carismáticos. Y no hay que olvidar el humor paródico pero tremendamente inteligente (marca de la casa, para niños y adultos, ya saben) que desprende "Monstruos S.A.", que además tiene escenas de acción absolutamente geniales (especialmente, esa batalla final en el laberinto de las puertas es vibrante y divertidísima). Otro triunfo de Pixar.

KICK ASS II. CON UN PAR de Jeff Wadlow - 2013 - ("Kick Ass II")

Kick Ass vuelve a patrullar las calles... Y se une a un grupo de superhéroes que, inspirados por sus actos heróicos, han decidido tomar como él identidades secretas para defender la ley. Sin embargo, nuevos problemas llegan a Nueva York: Bruma Roja, ahora simplemente llamado "El Hijoputa", busca una sangrienta venganza por la muerte de su padre y Hit Girl ha sido confinada en una aburrida existencia de niña pija y para colmo se le ha prohibido terminantemente volver a ejercer como superheroína. Una brutal batalla entre superhéroes y supervillanos está a punto de comenzar.

Jeff Wadlow ha dirigido el filme de terror "Cry Wolf", el de artes marciales "Rompiendo las reglas" y el de superhéroes "Kick Ass II. Con un par".

"Kick Ass II. Con un par" (vaya basura de subtítulo, por cierto) repite en líneas generales los méritos de su antecesora, aunque se eche en falta la dirección más artística de Matthew Vaughn, que es sustituído por el más artesanal Jeff Wadlow, que hace un trabajo muy solvente a pesar de esto. Los fans del cómic en el que el filme se basa van a echar algo en falta (y alguno incluso va a echar serpientes por la boca): el tono desencantado que tiene dicho cómic, que ha sido sustituído por un aura algo más "superheróica" en el sentido más clásico. Especialmente, los que han gozado de las aventuras de los ya míticos personajes de Mark Millar en las viñetas, notarán que el villano de la función (Bruma Roja transformado en un nuevo "malvado") es aquí bastante menos brutal y cabrón (ya en la primera entrega le variaron ligeramente el carácter y se lo dulcificaron un poco) y que falta una parte importante de la violencia más descarnada del papel. Por otra parte, se ha cambiado el final, cosa que a mi no me ha hecho ninguna gracia (especialmente porque aquí sí que se ha perdido bastante la esencia del relato original). Sin embargo, tengo también que decir que a pesar de estos cambios (orientados claramente a hacer la película algo más "para todos los públicos" -que tampoco lo es, por otra parte-), se ha mantenido en líneas generales la esencia tanto estética como argumental de los mencionados cómics.

Repite el reparto de la primera parte (excepto Nicholas Cage y Mark Strong, claro) con idéntico carisma (en especial Chlöe Grace Moretz está genial bordando de nuevo a Hit Girl, el mejor personaje de la saga con mucha diferencia), mientras que los nuevos caracteres cumplen muy bien (en especial un muy solvente y gracioso Jim Carrey). Repite la ultraviolencia, y repite el lenguaje brutal y la desmitificación de la figura del superhéroe, aquí todavía más humanizada que la de "Kick Ass" y, también, repiten unas geniales escenas de acción y un humor negrísimo con partes antológicas muy pero que muy canallas. También es efectiva la crítica social que el filme contiene, aunque en los cómics es más directa. A "Kick Ass II. Con un par" le falta la sorpresa de su antecesora, y es normal, pero en general cumple y es una muy digna secuela. Imagino que habrá una tercera... Tanto en los cómics como en el cine. Veremos.

101 DÁLMATAS de Glyde Geronimi, Hamilton Luske y Wolfgang Reitherman - 1961 - ("101 Dalmatians")

Pongo y Perdy son dos dálmatas que se enamoran y que, a su vez, consiguen unir a sus respectivos dueños, Roger y Anita, amantes del arte y de los animales. Pasa el tiempo y Pongo y Perdy tienen quince hermosos dálmatas y forman una feliz familia numerosa. Sin embargo, algo amenaza sus vidas... La malvada Cruella de Vil, una mujer rica y esnob obsesionada con la piel de los animales, quiere secuestrar a los dálmatas con oscuras intenciones...

Con "101 Dálmatas", basada en la obra homónima de Dodie Smith, se empieza a notar ya claramente que "los tiempos cambian", incluso para un estudio como el de Walt Disney, férreo abanderado de la moral más rancia y pacata del Sueño Americano. Primera película animada realizada con técnicas de xerografía (debido al altísimo número de perros que había que animar), aunque sigue presentando la clásica apología del, de alguna manera, "sentar la cabeza" formando una familia y teniendo hijos sí o sí (presente en prácticamente todas las películas de este estudio en su primera etapa), también presenta ya claramente a unos personajes de corte más "rebelde": los dueños de los dálmatas que dan nombre al filme son, conforme a su época, unos "bohemios" o, por lo menos, tienen bastantes comportamientos que se alejan de los caracteres más clasistas o con roles más cerrados vistos en otros filmes de Disney. Roger y Anita son una joven pareja que adora el arte y que defiende a los animales. Sí, una vez más, el mensaje de buen trato hacia los mencionados animales ocupa un papel central en la obra, aunque aquí es el principal de todos.

Roger y Anita y sus perros Pongo y Perdy representan los clásicos buenos sentimientos y valores marca de la casa, que se contraponen a los de una de las más grandes villanas que la compañía de Walt Disney ha creado nunca: Cruella de Vil, representación de la persona perversa e inhumana de clase alta, esnob, con un pésimo gusto en todos los aspectos, con un concepto del arte y de la vida en general clasista y que ve a los animales como seres inferiores a los que se puede usar y tirar. Es fácil encontrar en esta inolvidable y siniestra antagonista una crítica a cierto tipo de persona que por desgracia sigue abundando. "101 Dálmatas" es todo un canto a la solidaridad además, ya que todos los animales que rodean a Pongo y Perdy (y no todos son necesariamente perros como ellos) ayudan a estos y a sus hijos a escapar de su pérfida perseguidora dando a entender que la fraternidad no entiende ni de razas ni de especies. Por supuesto, la animación es fantástica, los escenarios "idem" y la película tiene escenas de acción para el recuerdo, un humor fino e inteligente y una de las mejores galerías de personajes del estudio de Walt Disney (ahí quedan también los inútiles y cómicos hermanos Badun) . "101 Dálmatas" tuvo una muy tardía y horrenda secuela animada en 2003 llamada "101 Dálmatas II" que no está incluída en el cánon de Clásicos Disney y también varias versiones con actores reales: ninguna tiene ningún interés ya que no son más que productos menores del estudio (y considerados como tal al no ser incluídos en el mencionado cánon) para aprovechar el tirón y hacer caja.

MARS ATTACKS! de Tim Burton - 1996 - ("Mars Attacks!")

La Tierra ha sido rodeada por un ejército de extraños platillos volantes. Todos los pueblos del mundo están expectantes: ¿Han venido en son de Paz o con intenciones belicosas? Un gobierno, el de los USA, se va a adelantar, como siempre, a los demás... No se imaginan la locura que está a punto de llegar al planeta.

Con "Mars Attacks!" Tim Burton desperdició un gran filón. No sólo se estrenó (de pura casualidad) cinco meses después de la ultrapatriotera y bochornosa "Independence Day", sino que el propio aire de parodia de los filmes de serie B de los años cincuenta y de los catastróficos de los setenta daba también para realizar una brutal crítica a los Estados Unidos en todos sus estratos que el director gótico de Hollywood no hizo ni por asomo. La película, homenaje a unos cromos de ciencia ficción homónimos que Burton al parecer adoraba, tiene un protagonista coral (y un repartazo con todas las letras, por cierto, aunque tristemente desperdiciado) que representa a toda clase de individuos de la Norteamérica más pacata y kitsch y que se enfrenta a su pesar a una invasión de alienígenas cabezones que se cepilla de un disparo a la Paloma de la Paz. ¿No da a priori "Mars Attacks!" para una sátira despiadada sobre los USA? Yo creo que sí, y mucho. Y su problema es que Tim Burton (todavía en su mejor época tras la genial "Ed Wood") no la llevó más allá de ser un sucedáneo entretenido y poco más de filmes "de monstruitos" del estilo de "Gremlins".

"Mars Attacks!" tiene un reparto absolutamente estelar y por desgracia absolutamente desperdiciado: los personajes suelen ser planos y, más allá de tener el punto estrambótico marca de la casa, no dicen mucho. Su ritmo también decae: la parte final del filme es una sucesión de persecuciones que aburre bastante. Sin embargo, también tiene momentos de excelente humor negro (muy negro) y su estética, viniendo de Tim Burton, es deliciosa una vez más; desde el genial diseño de los marcianitos de marras hasta sus artilugios pasando por la ambientación conscientemente casposa. ¿Distraída? Sí, a pesar de su parte final. ¿Buena película? A medias. ¿Desaprovechada? Absolutamente. Y no sólo por su reparto de conocidísimas caras que no aportan demasiado: también por el material políticamente incorrecto que tenía y que apenas usó. "Mars Attacks!" fue la primera película floja de Tim Burton tras una primera parte de su carrera ciertamente estelar.

ELYSIUM de Neil Blomkampf - 2013 - ("Elysium")

Año 2159. La Tierra está extremadamente superpoblada y los ricos se han marchado a vivir a Elysium, una ciudad espacial con todas las comodidades imaginables, mientras que los pobres han sido abandonados en el planeta, que se hunde en la violencia, la contaminación, el hambre y la enfermedad. El joven Max es un alienado trabajador terrícola que detesta su vida y que, de un día para otro, se va a ver obligado a aceptar una misión a vida o muerte... Viajar a la misma Elysium... Para cambiar el estado de las cosas.

"Elysium", la nueva película de Neil Blomkampf, director que en 2009 sorprendió con esa joya de la ciencia ficción que es "Distrito 9", no es una maravilla como aquella ni tampoco es la película de este género (repite el director en él) definitiva. Tiene algunos fallos que impiden que salga del mero producto entretenido, pero a pesar de esos fallos no deja de ser eso mismo... Entretenida. Viajamos a una típica distopía donde las clases acomodadas, unos pocos, viven en una colonia espacial con todas las comodidades e incluso con máquinas que curan todas sus enfermedades en pocos segundos, mientras que el resto de la humanidad sobrevive en ciudades superpobladas, sucias, destrozadas y violentas. Y en este ambiente, surge un héroe, ya se imaginan. El filme tiene algunos puntos loables y otros manidos. Entre los loables, hay que citar una ambientación excelente, unas muy buenas escenas de acción y una trama simple pero efectiva. Entre los manidos, hay que decir que los personajes son algo tópicos, que el conflicto del bien contra el mal es el de siempre y que en su retrato social el fime cae en tópicos.

Matt Damon cumple como protagonista, mientras que Sharlo Copley hace lo propio como el villano de la función (y tiene carisma el señor, como ya demostró en "Distrito 9"). Por desgracia, los secundarios están un poco desperdiciados, en especial el personaje de Diego Luna (muy fugaz) y el de Jodie Foster, completamente tirado a la basura. El retrato distópico, que de nuevo hace una referencia clara al Apartheid sudafricano y que ataca a otros asuntos actuales como la pobreza, la superpoblación, el clasismo o la falta de asistencia médica (con claras referencias a la situación que ya se conoce de los USA), cae por desgracia como he dicho en algunos tópicos que hacen que el conjunto pierda seriedad (en especial es bastante simplote ese mundo de "chicanos" que viven en fabelas donde Damon está completamente desubicado). La trama, por otra parte, puede resultar predecible. Sin embargo, "Elysium" tiene escenas de acción más que potables y nunca pierde el ritmo, por lo cual resulta esencialmente divertida. No va a ser la película de ciencia ficción del año y mucho menos una parábola social histórica, y puede que decepcione a los fans del director tras "Distrito 9", pero se puede ver bien. A ver qué hace Blomkampf con su siguiente obra...

AMERICAN HISTORY X de Tony Kaye - 1998 - ("American History X")

Derek Vinyard acaba de salir de la cárcel, a la que fue condenado tras haber cometido un crimen de asesinato. Derek era un "neonazi" famoso en su barrio; era uno de los grandes líderes de su grupo. Hoy todavía es visto como un héroe y el hecho de haber estado preso le ha convertido casi en una leyenda viva. Pero Derek ya no quiere ser un "neonazi". Algo le ha hecho cambiar sus ideas... Sin embargo, dejar el pasado atrás no es nada fácil... Especialmente cuando su hermano Daniel está siguiendo peligrosamente su estela.

"American History X" es la primera y todavía sigue siendo la mejor película del irregular y poco prolífico Tony Kaye. Película mítica sobre el racismo en los USA, indaga en el mundo de los "neonazis" por medio de la historia de dos hermanos que, tras introducirse en dicho ambiente, empiezan un brutal periplo vital que les cambia para siempre. Edward Norton entrega uno de los grandes papeles de su carrera (alternando sin cesar y de forma soberbia entre la dureza y la violencia y la sensibilidad y el arrepentimiento) y el tristemente malogrado Edward Furlong hace lo propio en una historia que se puede extrapolar perfectamente a cualquier país y que profundiza en las raíces del racismo: el miedo, la ignorancia, la marginalidad y la pobreza, los traumas inesperados y la inseguridad que lleva a entrar de cabeza en un grupo organizado supuestamente poderoso y respetado. Alternando el blanco y negro y el color de forma genial, "American History X" viaja a través del antes y del después de los dos personajes principales y de su familia y sus amistades cercanas (esencialmente neonazis como ellos) y, con un montaje ágil, disecciona el mencionado asunto del racismo con unos excelentes diálogos y alejándose de todo maniqueísmo posible: blancos y negros se detestan con idéntica "entrega" y ambos son verdugos y víctimas.

Esta genial película es además una historia sobre perdedores de la Norteamérica más pobre (de nuevo tanto blancos como negros viven en ambientes suburbiales donde la falta de oportunidades y la violencia campan a sus anchas) y sobre el paso del tiempo, el fin de los prejuicios, las relaciones entre hermanos, el descubrimiento de la amistad en la diferencia, el perdón y la lucha por dejar un pasado triste atrás. Inteligente, cruda, lúcida y triste y además universal, "American History X" no ha perdido por desgracia un ápice de actualidad quince años después de su estreno. Todavía muchas de sus escenas de violencia ponen los pelos de punta (creo que la mayoría sabe a cuál me refiero sobre todo), todavía su tensión casi insoportable consigue poner de los nervios, todavía su delicada sensibilidad en medio del peor de los ambientes consigue conmover y todavía su desenlace sigue siendo impactante y desgarrador.

LA TORMENTA DE HIELO de Ang Lee - 1997 - ("The Ice Storm")

1973. Connecticut. Las acomodadas familias Hood y Carver preparan el Día de Acción de Gracias en un ambiente idílico en sus grandes casas de barrio residencial. Sin embargo, todos sus miembros están confundidos y hastiados: tanto los adultos, aburridos de sus vidas sin alicientes y sexualmente frustrados o presas de adicciones, como los jóvenes, que se enfrentan sin ayuda ninguna al clima de rebeldía y de revolución sexual que está sacudiendo a los USA. Esa noche, en la que se prevé que caiga una tormenta de hielo, algo va a cambiar para siempre a los miembros de ambas...

Tras su genial versión de "Sentido y sensibilidad", Ang Lee volvió al drama social de corte familiar con "La tormenta de hielo", una de sus obras maestras y uno de los mejores retratos que tiene el cine moderno sobre la familia norteamericana de la clase alta y sus problemas. Este señor diseccionó como nadie una cultura que, además, no era la suya. En un ambiente helado que sirve de metáfora de las relaciones personales de los personajes se desarrolla este filme, cuyo asunto central es la represión sexual en una época en la que los tabúes referidos al mencionado sexo están empezando a ser tumbados con contundencia: los años setenta (aunque la revolución empezó ya en los USA en la década anterior e incluso en la de los cincuenta, los setenta supusieron diez años de "madurez" y desengaño en este país, y no sólo con respecto a la cultura tradicional del Sueño Americano, sino con respecto incluso a los movimientos supuestamente revolucionarios que habían cambiado la sociedad y que acabaron perdidos en su propia inconsecuencia y artificiosidad).

Ang Lee sigue a dos familias muy similares en cuyos senos reinan la hipocresía, el hastío y la mencionada represión sexual. Tenemos a los padres aburridos de sus vidas de lujo en los suburbios de la clase alta y tenemos a sus hijos, condenados a vivir un despertar sexual desnaturalizado que han de afrontar sin ninguna ayuda y sin un sólo consejo. Con unos diálogos maravillosos, irónicos, inteligentes y desencantados, "La tormenta de hielo" nos lleva por un ambiente terrible de falsedad dónde todo el mundo es aparentemente feliz y realizado y dónde todo el mundo esconde secretos y relaciones mal vistas pero que todos saben que existen. Momentos cúlmenes como el de la "Fiesta de las llaves" ilustran maravillosamente la doble moral de esta sociedad compuesta en su mayor parte por adultos que o no han alcanzado la madurez sexual o la han tocado a trompicones y que se pierden en adicciones y en frustraciones cotidianas insalvables. La estética, fría y conscientemente helada y cargada de planos que ilustran la referida "tormenta de hielo", es un personaje más que representa las vidas muertas de los seres del filme. Lee sabe además imprimir un ritmo y un lirismo a su relato que lo deslizan con una suavidad pasmosa hasta su genial desenlace. Una de las grandes obras del director y una de las grandes películas de los noventa.

BROADWAY DANNY ROSE de Woody Allen - 1984 - ("Broadway Danny Rose")

En un restaurante de Broadway se reúne un grupo de artistas, actores y cómicos. Hablan sobre sus vidas, cuentan anécdotas y recuerdan a las personas que les marcaron de una forma u otra. De repente, en la conversación aparece la figura de Danny Rose, un representante de artistas fracasados famoso en Nueva York como un personaje casi payasesco al que, sin embargo, todos recuerdan con cariño... Poco a poco, van dibujando su delirante historia...

Después de la que posiblemente haya sido la película más experimental de toda su carrera, la inolvidable e inclasificable "Zelig", Woody Allen retornaba a la comedia pura en un título que recuerda en parte a los del humor más "visible" de su primera etapa pero que a su vez tiene un pie en la segunda por su retrato más serio de los personajes y por su visión melancólica de la vida. "Broadway Danny Rose" es una pequeña joyita que, para mi por lo menos, también se encuentra entre lo mejor de la filmografía del neoyorkino amante del jazz. Homenaje a los comediantes "stand-up" (los que actúan en vivo frente a un público) de toda clase (el propio Allen comenzó así su carrera), el filme narra una loca historia de lucha por un sueño, de decepción, de amistad y de amor absolutamente desternillante (y por supuesto tremendamente inteligente en sus gags) y que, a la vez, pone los pelos de punta con su mensaje optimista.

Danny Rose, de nuevo Woody Allen (y en uno de sus mejores papeles), es el mejor amigo que todos querríamos tener: es bondadoso hasta las últimas consecuencias, tan bondadoso que se mete en problemas por gente que no lo merece; es un personaje que parece sacado de un libro de Charles Dickens. Este personaje es un representante de artistas fracasados y mediocres, uno de esos "locos del barrio" que no para de recorrer Nueva York para conseguir a sus "protegidos" actuaciones infames en antros cutres o ante públicos horribles. Tremendamente desvalido, payaso de los demás, plasta y optimista hasta el suicidio, Danny Rose se meterá en líos con la mafia por asuntos que ni le incumben del todo y llevará al público por una excelente secuencia de gags visuales y verbales absolutamente delirantes (acompañado además de una esplendorosa Mia Farrow y de un absolutamente genial Nick Apollo Forte). Su aventura se tornará, por supuesto, en un cuento humanista (rodado en un excelente blanco y negro). Si a alguien no se le saltan las lágrimas en el final de "Broadway Danny Rose", es que no tiene alma: es uno de los mejores desenlaces de la historia del cine, de una sencillez pasmosa cargada de profundidad humana y capaz de alegrar el día más oscuro.

LOBEZNO INMORTAL de James Mangold - 2013 - ("The Wolverine")

Lobezno se ha recluído voluntariamente en los bosques de las profundidades de Canadá. Vive solo y constantemente atormendado por el recuerdo de Jean Grey, que le persigue sin descanso en sus sueños. Su vida experimenta un nuevo giro cuando la mutante Yukio le ofrece viajar a Japón, en dónde alguien a quien él salvó de morir en el pasado quiere volver a verle... Lobezno va a descubrir una terrible conspiración en el país nipón, dónde también va a descubrir una parte de sí mismo a la que nunca había hecho frente.

"Lobezno Inmortal", la segunda aventura en solitario del para bien o para mal personaje de los X-Men más conocido por el gran público, podría haber sido bastante mejor, pero, a pesar de no ser más que una película de transición entre "X-Men. Primera generación" y la siguiente entrega de la saga de los mutantes de Marvel, la futura "X-Men. Días del futuro pasado", cumple y distrae, y mucho más que la fallida e incoherente precuela del personaje de 2009. Basada en la historias de Chris Claremont y Frank Miller sobre el mutante ambientadas en Japón, "Lobezno Inmortal" retoma al héroe "en la actualidad" tras los hechos acontecidos en la horrenda "X-Men. La decisión final": está solo y aislado, apartado de los suyos voluntariamente y no deja de tener pesadillas con la fallecida Jean Grey. La aventura del personaje es completamente independiente y su relación con la saga, por lo menos por ahora, es mínima: es una historia aparte de Lobezno en la que él se desarrolla un poco más, aunque es cierto que como he dicho el filme es un puente hacia la siguiente entrega de la serie, que vendrá el año que viene.

James Mangold rueda con solvencia en todos los aspectos, aunque sólo eso. La trama, ciertamente predecible y sin grandes diálogos (aunque también sin grandes pretensiones, con lo bueno y lo malo que esto trae), se sigue de forma agradable y las escenas de acción son verdaderamente buenas (en especial el primer combate en el funeral y la lucha en el tren). La estética, sin perder la personalidad propia de las viñetas, es ligeramente más realista que la de las anteriores entregas debido a la uniformidad de su colorido en líneas generales, a la poca proliferación de mutantes con poderes vistosos en el filme y a su retrato de un Japón en general alejado de exotismos baratos (algunos hay, pero son los justos y necesarios). Los personajes no son el culmen de la profundidad (ni siquiera el propio Lobezno, interpretado de nuevo por el eterno Hugh Jackman), pero cumplen con su función sin resultar tontos y con un carisma mínimo, mientras que el romance y el humor están justamente equilibrados.

¿Cosas buenas de "Lobezno Inmortal"? Pues bueno, su mencionada falta de pretensiones y el hecho de ser consciente de su condición de "película puente" artesanal y punto. ¿Cosas malas de "Lobezno Inmortal"? Pues lo mismo, pero visto desde la otra cara de la moneda: no pasa de ser una "película puente" y, aunque no es incoherente como el primer "Lobezno", tampoco aporta mucho a la saga, y se le podría haber pedido bastante más y una mejor explotación del personaje tanto a los productores responsables de la franquicia como a un director como James Mangold, que cuando quiere hace películas excelentes. Es esencialmente distraída y digna, pero ahí se queda.

NOCHE Y DÍA de James Mangold - 2010 - ("Knight and Day")

La atractiva June Havens, una mujer que sin embargo no tiene suerte con los hombres, tiene un encontronazo en el aeropuerto de Wichita con Roy Miller, un tipo atractivo aunque extraño... Que resulta ser un agente secreto con una peligrosa misión que está a punto de meterla en la aventura más delirante de su vida.

Se dice (y es cierto) que prácticamente todos los directores tienen por lo menos una "gran cagada". La de James Mangold, sin ninguna duda, es "Noche y día", el típico estreno palomitero veraniego del que en septiembre ya nadie se acuerda. La buena mano artesanal que este señor suele tener (que incluso logró rescatar del bochorno total a filmes claramente menores o fallidos como "Kate & Leopold" o "Identidad") se pierde completamente en esta horrible comedia romántica de acción en la que Tom Cruise parodia a agentes secretos como James Bond y, por supuesto, a su mítico caracter de la saga de "Misión Imposible" y en donde Cameron Díaz repite otra vez el papel de semi-tonta sonriente que ha repetido en tantas comedietas románticas de andar por casa (y esta mujer ha tomado parte también en algunas buenas películas, pero en general se prodiga demasiado en este tipo de chorradas).

La película, comercial hasta la médula y en el peor y más descarado de los sentidos, sigue las peripecias de la referida pareja en la historia más previsible del mundo. Las escenas de acción están bien rodadas. Y ya. Los diálogos son tontorros, la relación de los protagonistas te la sabes nada más empezar la película, los malos de la función no tienen personalidad y los secundarios buenos tampoco, los supuestos golpes de humor, basados en tópicos conscientes, son tan tópicos y esperables que no tienen gracia y el conjunto es aburridísimo y soporífero. Y hay unas escenas ambientadas en una España de risa en dónde todo el mundo vive en casas castizas con elementos musulmanes y en dónde los San Fermines se celebran en Sevilla. Ole, ole y ole. Mañana, "Lobezno Inmortal", la nueva de este director, para que nos olvidemos de esta basura (en realidad, sólo la he visto y comentado por puro completismo, uno que es muy freakie -a veces hasta demasiado-).

KARATE A MUERTE EN TORREMOLINOS de Pedro Temboury - 2003 - ("Karate a muerte en Torremolinos")

El pérfido Doctor Malvedades ha llegado a la idílica ciudad turística de Torremolinos dispuesto a resucitar al terrible monstruo Jocántaro, que según las leyendas descansa en sus aguas y fue el ser que destruyó la Atlántida. Con la ayuda de sus zombies karatecas, va a secuestrar a un grupo de jóvenes recién desvirgadas para practicar el ritual que devolverá a dicha criatura del mal a la vida. Pero no ha contado con una cosa: la Hermandad de los Surfistas Católicos no está dispuesta a dejar que se salga con la suya...

Ex ayudante de dirección de Jesús Franco, Pedro Temboury ha dirigido hasta ahora dos películas encuadradas en la serie B: "Karate a muerte en Torremolinos" y "Ellos robaron la picha de Hitler".

La que según la revista Fotogramas es "La peor película estrenada en una sala española" (no lo es, hay películas mil veces peores y lo que es peor -valga la redundancia- es que pretenden ir de serias) es el debut en la dirección de Pedro Temboury y uno de los grandes clásicos del cine gore patrio y una de sus películas de culto, mal que les pese a muchos "estreñidos". Maticemos una cosa que parece que en ciertos círculos esnobs no entienden o no quieren entender: hay un tipo de cine que es malo a propósito; malo con avaricia a propósito, casposo a propósito, cutre a propósito, gamberro sin prejuicios (llevado al extremo) a proósito. De eso van gran parte de las películas de cine gore o de serie B o de serie Z o cómo quieran llamarlo de todos los países. ¿Y qué es lo que buscan? Que el público se ría con sus chorradas y con sus chapuzas técnicas incluso. Punto pelota. Y yo, que tengo un blog de cine y que adoro a Woody Allen, a Akira Kurosawa o a François Truffaut entre otros tantos, me lo he pasado teta con "Karate a muerte en Torremolinos", homenaje delirante a la mítica película "Karate a muerte en Bangkok" de Bruce Lee.

El guión es malísimo, los diálogos penosos, el aspecto técnico terrible, los actores peores, los efectos especiales inexistentes, el final gratuito y el humor que Pedro Temboury despliega en su debut es casposo y chorra hasta decir basta. Y eso es lo que él quiere, y eso es lo que el público que busca estas películas quiere. Y hay surfistas católicos que luchan contra el mal, y vírgenes en peligro listas para ser salvadas, y está el fantasma del Señor Miyagi (que es Jesús Franco), y hay un malvado doctor-brujo argentino, y zombies karatekas, y los alienígenas de "Mal gusto" de Peter Jackson, y un monstruo llamado Jocántaro que mora en las playas de Torremolinos, y salsa de tomate como sangre por un tubo y chistes tontos por doquier y vergüenza ajena conscientemente buscada. "Karate a muerte en Torremolinos" es una película malísima, pero no la incluyo entre los "Grandes bodrios" porque su objetivo descarado es ser malísima, es competir en cutrerío con otras de su género. Hay momentos para ver una película de Zhang Yimou, hay momentos para verse la saga de "Star Wars" y hay momentos para reunirse con amigos, hacerse con un cargamento de cerveza y comida basura y ver películas malas a rabiar. Ha sido siempre uno de los objetivos de este cine, y esta película, mítica en el panorama de la serie B española, lo cumple con creces. Para verla sin prejuicios de ninguna clase.